Miedo y asco en Las Vegas

Miedo y asco en Las Vegas*** (1998), titulada originalmente Fear and Loathing in Las Vegas, es una de las obras más iconoclastas, caóticas y estilísticamente radicales del cine de finales de los noventa.*** Dirigida por el ex-Monty Python Terry Gilliam, la cinta es la traslación cinematográfica definitiva de la novela homónima que el periodista Hunter S. Thompson publicó en 1971, sentando las bases del indómito «periodismo gonzo». Repudiada por buena parte de la crítica tradicional en su estreno por su narrativa desarticulada y su sobredosis psicotrópica, la película fue un sonado fracaso comercial. Sin embargo, su posterior rescate doméstico a través de ediciones prestigiosas como la de Criterion Collection la ha elevado a la categoría de película de culto absoluta, valorada por su audacia visual y su despiadado retrato del fin del sueño contracultural estadounidense.

La crítica especializada analiza Miedo y asco en Las Vegas no como un relato convencional con planteamiento, nudo y desenlace, sino como una experiencia sensorial de inmersión y distorsión de la realidad. Gilliam logra plasmar la prosa febril y cínica de Thompson a través de un viaje lisérgico que transita permanentemente entre el éxtasis cómico y el horror existencial.

Ambientada en 1971, la historia arranca con el periodista Raoul Duke (un mutado Johnny Depp) y su impredecible abogado de origen samoano, el Dr. Gonzo (un masivo Benicio del Toro), cruzando el desierto de Nevada a bordo de un descapotable rojo repleto de todo tipo de sustancias psicotrópicas. Su encargo inicial consiste en cubrir una carrera de motos en el desierto y, posteriormente, una convención policial contra el narcotráfico en Las Vegas. Sin embargo, los compromisos profesionales se disuelven de inmediato en una delirante sucesión de alucinaciones en hoteles lujosos, casinos hostiles y encuentros bizarros.

El gran acierto del libreto, coescrito por Gilliam junto a Tony Grisoni, Tod Davies y Alex Cox, es que la droga no funciona como un simple accesorio cómico o transgresor, sino como el filtro óptico e histórico necesario para analizar una época. Las Vegas opera en el filme como el epicentro de la vulgaridad burguesa y el capitalismo más voraz. Duke y Gonzo se adentran en ese templo del consumo masivo consumiendo sustancias no para escapar de la realidad, sino para ponerse al mismo nivel de demencia que una sociedad que devora el planeta mientras envía jóvenes a la Guerra de Vietnam. La película es la crónica de un entierro: el trágico despertar de la resaca hippie de los años 60 y la constatación de que la ola de libertad contracultural rompió contra los acantilados del conservadurismo y la avaricia.

El nivel de compromiso de los protagonistas es soberbio. Johnny Depp vivió meses con el mismísimo Hunter S. Thompson para mimetizar sus andares espasmódicos, su voz mascullada y su eterna boquilla. Por su parte, Benicio del Toro engordó cerca de 20 kilos y se sometió a una actuación volcánica, brutal y puramente impredecible que regala los pasajes más desquiciantes y peligrosos de la función.

La genialidad hiperbólica de Terry Gilliam: nadie mejor que el director de Brazil para retratar la distorsión mental. Utilizando lentes de gran angular (los famosos ojos de pez), ángulos de cámara marcadamente holandeses (inclinados) y una iluminación de neón sobresaturada, Gilliam traslada a la pantalla el universo visual satírico que el ilustrador Ralph Steadman creó originalmente para los libros de Thompson. • La mítica secuencia en el vestíbulo del hotel donde la alfombra cobra vida propia y las caras de los aristócratas del casino se transforman en lagartos humanoides y grotescos es una clase magistral de cómo generar una atmósfera repulsiva y claustrofóbica sin recurrir exclusivamente al CGI plano de la época.

Para una gran parte del público general y de la crítica convencional (como refleja su histórica andadura en portales como Filmaffinity), la película carece por completo de progresión dramática. La repetición constante del ciclo de consumo de sustancias, paranoia en habitaciones destrozadas y huida de hoteles puede resultar profundamente extenuante, monótona y vacía en su nudo narrativo si no se conecta con su lectura de fondo.

Conclusión: Miedo y asco en Las Vegas (1998) es una salvaje y visceral radiografía sociocultural que funciona como un monumento al exceso. No es una película cómoda de ver, ni pretende serlo; es una bofetada pop, ruidosa y febril que busca marear, incomodar y saturar las retinas del espectador para hacerle partícipe de la descomposición moral de toda una nación. A pesar de sus evidentes excesos formales y las irregularidades rítmicas de su tramo central, se alza hoy como un ejercicio cinematográfico irrepetible, imposible de producir en el Hollywood actual. Una experiencia salvaje e indispensable para los amantes del cine libre, subversivo y descaradamente personal.